lunes, 26 de abril de 2010

MELODÍA- Llamaremos melodía a la sucesión de los sonidos. Ejemplo: do, mi, sol, re, fa etc. Es decir cualquier secuencia de sonidos uno después de otro, será una melodía. RITMO- Llamaremos ritmo a la relación que hay entre acento y duración de los sonidos .Así como cuando hablamos utilizamos acentos, ejemplo: "mamá" marcamos con mas énfasis o fuerza una de las sílabas, también lo haremos con algunos de los sonidos que utilizamos por ejemplo: ta - ta -tá - ta - ta - tá etc. Si relacionamos la duración de cada sonido con su respectivo acento tendremos lo que llamamos RITMO. Por lo tanto si en una sucesión de sonidos no hay acento determinamos que no existe ritmo, por ejemplo el tic tac del reloj, eso no es ritmo. ARMONÍA - Llamaremos armonía a la simultaneidad de varios sonidos, por lo menos 3 sonidos a la misma vez. Cuando esto sucede decimos que esos tres o mas sonidos simultáneos forman un acorde.

Sonido, ritmo, armonía y melodía.

Artes auditivas

La forma: sus características
De acuerdo con nuestro campo visual, todos los objetos que nos rodean tienen forma.
Cuando el artista crea una forma, pone en juego muchas facultades, como: el sentido, la infusión, la imaginación…
Las principales cualidades que se caracterizan a la forma son:
Configuración: Presupone un cierto grado de organización en el objeto, que no se puede alterar en sus elementos sin que pierda significación.
Tamaño: Depende de la relación y comparación entre una forma y otra.
Color: Generalmente lo que se ve como forma no puede separarse de lo que se ve como color, pues el color en la forma es sencillamente la reacción de un objeto a los rayos de luz mediante los cuales lo percibimos. El color con la textura, conforman el aspecto superficial de la forma.
Textura: Se refiere a la apariencia externa de la forma que podemos percibir a través de la vista y el tacto, según el tratamiento que se le de a la superficie de la misma.
Posición: Se relaciona más con el concepto de forma compositiva o composición y tiene que ser con la forma en el espacio. Cuando relacionamos la forma con el ámbito o campo donde se desarrolla la percepción visual, podemos determinar su posición.
Clasificación de las formas
Orgánicas: Son la forma humana y todas las que se encuentran en la naturaleza, a las cuales el hombre recurre, generalmente, para sus creaciones artísticas: los animales, plantas…
Artificiales: Son fabricadas o creadas por el hombre.
Básicas: Son el circulo, el cuadrado y el triangulo equilátero (no un triangulo cualquiera). Cada una de ella tiene sus propias características y son la base para la creación de nuevas formas o estructuras.
Simbólicas: Tiene una significación que va más allá de lo que representan.
Abiertas: Se perciben con mayor facilidad cuando se relaciona con el fondo, ya que una de sus características principales es que se integran a el o al medio.
Cerradas: Se diferencia de la abierta por su contorno, por la continuidad del contraste con respecto al fondo.
Simétrica: En la naturaleza encontramos gran variedad de formas, también obras artísticas.
Tridimensionales: Tienen volumen, masa y tres dimensiones: largo, ancho y profundidad; el espacio que ocupa es real.
Bidimensionales: Es plana, tiene dos dimensiones: largo y ancho; la forma es plana.
Positivas y Negativa: Pueden ser tridimensionales cuando la podemos palpar en la realidad y bidimensional cuando la captamos en representaciones planas; en este caso se conoce comúnmente como figura. En ambos momentos, la forma positiva deja a su alrededor un espacio o campo, al cual se le llama forma negativa.
El campo que rodea a la forma positiva tridimensional se proyecta en la retina a través de su contorno o volumen y otras característica (no es una representación, es la forma real).
El espacio que rodea a la forma positiva bidimensional, lo percibimos como fondo en una superficie plana. La forma positiva y la negativa bidimensional guardan estrecha relación con el problema figura-fondo.
El contraste de la forma positiva y la negativa beneficia y agudiza nuestro sistema visual y perceptivo, ya que en ambos casos captamos las características de la forma: tamaño, dirección, contorno…También la forma positiva y negativa, cuando se observan separadamente, presenta una apariencia firme, con significados e igual configuración, que permite su identificación y su encaje.
Ambiguas: Admiten varias interpretaciones. Las figuras o formas reversibles presentan cierta ambigüedad porque se perciben alternamente las zonas correspondientes a figuras y fondo, positivo-negativo.
Las figuras o formas imposibles se pueden dibujar, pero no se pueden construir en tres dimensiones; es decir, tienen un carácter bidimensional: al tratar de construirlas en tres dimensiones se desorganiza su configuración. Las formas o figuras virtuales se configuran por el efecto visual de cerramiento.

Expresión con volumen.

Aplicación del color.

Los colores en si representan una sensación en los eres humanos con una gran variedad de sentimientos los cuales son demostradas por los sigientes colores Clasificación de los colores. Los colores, como ya sabemos, están clasificados en grupos de cálidos (amarillos y rojos) y fríos (verdes y azules). El fundamento de esta división radica simplemente en la sensación y experiencia humana más que en una razón de tipo científica.
Colores cálidos: Los colores cálidos en matices claros: cremas y rosas, sugieren delicadeza, feminidad, amabilidad, hospitalidad y regocijo y en los matices oscuros con predominio de rojo, vitalidad, poder, riqueza y estabilidad. Por asociación la luz solar y el fuego al rojo-anaranjado, al amarillo, etc. La distinción entre colores cálidos y colores fríos es bastante corriente. Los términos "cálidos" y "fríos" apenas se refieren a los tintes puros, parecería que el rojo es un color cálido y el azul es frío. Los dos términos parecen adquirir su significado cuando se refieren a la desviación de un color dado en la dirección de otro color. Un amarillo o un rojo azulado tienden a ser fríos, como también un rojo o un azul amarillento. Por el contrario un amarillo o azul rojizo parecen cálidos. El que determina el efecto no es el color principal, sino el color que se desvía ligeramente de él. Un azul rojizo parece cálido, mientras que un rojo azulado, parece frío. La mezcla de dos colores equilibrados no manifestarían claramente el efecto.
El verde, mezcla de amarillo y azul, se aproximaría más al frío, mientras que las combinaciones del rojo con el azul para dar el púrpura, y con el amarillo, para dar el anaranjado , tenderían a la neutralidad o a la ambigüedad. Parece que el equilibrio entre dos colores que integran una mezcla es sumamente inestable. Puede hacerse fácilmente que uno de ellos predominan sobre el otro. El observador puede ver en un naranja (anaranjado), un rojo modificado por un amarillo o un amarillo modificado por un rojo. En la primera versión el color resultara frío, en la segunda, cálido. El fenómeno de la asimilación y el contraste, hará que uno de los colores adquiera relieve a expensas del otro. De este modo la inestabilidad de la mezcla se reduce grandemente y por lo tanto su "temperatura" puede definirse con más seguridad. No es tanto el tinte dominante el que produce la cualidad expresiva, como sus aflicciones. Tal vez los tintes básicos constituyen valores bastante neutros, que se distinguen más bien por su carácter de singularidad y de reciprocidad que por su expresión específica. Y sólo cuando el color produce una atención dinámica al inclinarse hacia el otro color, revela sus características expresivas.

La saturación o croma se refiere a la pureza de un color. Un color complementariamente puro sería producido sólo por una longitud de onda lumínica. Esta condición se advierte más de cerca en los tintes saturados del espectro. Cuando los colores de diferentes longitudes de onda se mezclan, la vibración resultante se hace compleja, y el color, es de un aspecto más desvaído . Cuando más semejantes las longitudes de onda que se mezclan, tanto más saturada será la
mezcla. El mínimo de saturación de obtiene con colores que dan como resultado un gris acromático. Los colores que producen este efecto se conocen con el nombre de complementarios. El grado de saturación obtenible varía con el valor de claridad del color. La impureza acentúa la cualidad de temperatura que establece el tinte modificante, haciendo que un color cálidos sea aún más cálido y uno frío, más frío.

Colores fríos:
Se los considera por asociación con el agua al azul, violeta y verdoso. Los colores fríos en matices claros expresan delicadeza, frescura, expansión, descanso, soledad, esperanza y paz y en los matices oscuros con predominio de azul, melancolía, reserva, misterio, depresión y pesadez. El clima influye mucho en el gusto por los colores. Las personas que viven en países cálidos y de mucho sol prefieren, los colores cálidos, mientras que aquellas otras que viven en latitudes frías y de poco sol muestran su gusto por los colores fríos.

Elementos básicos del dibujo.

Elementos básicos de la imagen se tienen algunos principales tales como son:
Punto. Línea. Contorno. Dirección. Tono. Color. Movimiento. Dimensión. Escala

El punto Es la unidad mínima de comunicación visual, la mas simple, de forma redonda y la mas abundante en la naturaleza. Es el elemento gráfico fundamental. No es necesario que el punto esté representado gráficamente para tomar fuerza, ya que en cualquier figura su centro geométrico, puede constituir el centro de atención. Cualquier punto tiene enorme fuerza de atracción para el ojo. Las ilustraciones de revistas y de periódicos están formadas por puntos, pues si se ve de muy cerca se alcanzan a distinguir los puntos.
La línea cuando los puntos están muy próximos entre si y no se pueden reconocer de forma individual crea una sensación de direccionalidad, forman un elemento llamado línea; del punto nace toda línea, es contorno o delimitación.. Tiene una gran energía, ya que no es estática, puede ser inflexible y recta o puede ser curva, zigzagueante entre otras posibilidades de cambiar de forma.
El contorno la línea cerrada describe un contorno. Los contornos básicos son el cuadrado, el circulo y el triangulo equilátero. Son figuras planas pero con descripciones y diferencias propias.
La dirección los contornos básicos expresan a su vez tres direcciones básicas:
*Horizontal y vertical
*Diagonal
*curva
el tono la luz moldea los objetos. Su intensidad y variaciones determinan el tono y sus diferencias marcan líneas de separación entre los mismos. Vemos la presencia de la luz y a que esta no es uniforme. Si esta no se repartiera creando varios tonos veríamos lo mismo en la total oscuridad. Las tonalidades entre el blanco y el negro se expresan mediante tonos de gris. La escala tonal del sistema de zonas es de 9 tono de gris, aunque existen otras escalas, incluso entre 13 y 30 tonos de gris. El tono crea volúmenes.
El color el mundo real esta lleno de color y este tiene una relación con las emociones. El color esta cargado de información y es una experiencia visual muy percibida. El color es una de las principales características de todo lo que vemos y se presenta como una forma de identificación y diferenciación. Toda estructura toda forma que vemos conlleva un colorido, convirtiéndose en una forma de identificarla. De los colores primarios surgen mas de 100 combinaciones perceptibles. La presencia o ausencia de color no afecta al tono, que es constante.
La textura es una característica que conforma el acabado de una superficie y depende del material utilizado o del efecto que se busque lograr en el acabado de una obra. Las texturas contribuyen a desatar determinadas sensaciones a quienes las contemplan, por ello son un elemento de la obra de arte.
La escala es el establecimiento del tamaño comparativo. Lo grande solo es grande junto a lo pequeño. La escala lleva muchas variables modificadoras, ya que pues una imagen puede pasar de pequeño a grande o viceversa.
La dimensión la representación volumétrica en formatos bidimensionales es también una ilusión. En el mundo real nuestra visión nos permite verla y sentirla, pero en una pintura existe un volumen real. Si a la perspectiva se le añaden valores tonales, podemos realizar la sensación de volumen. La perspectiva tiene complicadas y numerosas reglas. El uso de puntos de fuga es esencial para tener el efecto de la perspectiva.
El movimiento es un elemento presente en las composiciones. La imagen es inmóvil, pero podemos hacerla móvil empleando técnicas como el barrido, la distribución de líneas y puntos de encuadre. Nuestra composición puede obligar al ojo a recorrerla de un lado a otro. El ojo sigue a la línea y busca acabar en el punto, circula por las luces y espacios iluminados.
Bidimensionalidad
Las dimensiones son formas de medición, sea de la longitud de una línea, del área que cubre una superficie o del volumen del cuerpo. Estas son las formas en que se representan las dimensiones del espacio, mediante su longitud, su anchura y su profundidad. En la bidimensionalidad solo se muestran dos dimensiones, es decir no tienen profundidad, son dibujos de tipo plano
Tridimensionalidad
La tridimensionalidad hace que una imagen tenga un efecto de profundidad, aunque la imagen sea plana la hace ver de manera tridimensional. Mediante la tridimensionalidad un dibujo se puede ver con mas realidad. Se puede llegar a ver por medio de el punto de fuga, por medio del tono o poniendo sombras a la imagen.
Composición de formas
El interés de una composición es lograr la unidad, todas y cada una de las paginas necesitan tener una razón y un propósito para estar ahí. Se deben evitar poner elementos inútiles que distraen la atención. Componer es el arte de ordenar los conjuntos de formas, de manera que ocupen en el espacio el lugar que le corresponde. La pintura es el arte de combinar efectos, es decir, de establecer relaciones entre colores, contornos y planos. A lo largo de la historia los artistas han compuesto sus imágenes de diferentes maneras, al captarlas nos damos cuenta de sus ideales. Después de ordena, componer los elementos, se llega a la representación de formas simples o compuestas.
Representación de formas
La representación puede hacerse a partir de diferentes maneras, buscando una imitación o idealización de la realidad; o resolviendo formas de una maneras estilizada, sin acordarse como las vemos, presentándolas en sus líneas esenciales. La mimética y la interpretativa sol las dos formas que se han utilizado en la historia del arte para la creación de imágenes.

Artes visuales

Unidad 3 LAS BELLAS ARTES Y SUS ACTIVIDADES

El arte asistido por la tecnología.

La evolución del ser humano a través de la historia ha sido alrededor de la ciencia, la tecnología y el arte. Desde sus inicios se preocupó por adaptarse al ambiente por medio de utensilios que le permitían mejorar su situación, ya sea para cazar y poder alimentarse mejor o para crearse prendas rudimentarias para cubrir sus órganos vulnerables. Este hecho llevó implícito la evolución en los tres aspectos principales en el desarrollo de la humanidad.
De esta manera los sentidos de la vista y el oído juegan un papel fundamental, ya que por medio de ellos tenía contacto con el mundo y le permitió capturar los estímulos procedentes de su contacto con la naturaleza y aprender el resultado de cada uno de ellos. Este aprendizaje no sólo desarrollo la inteligencia sino también la creatividad.
Al principio fue una piedra, un hueso o un pedazo de madera, que le permitió crear un arma para cazar o defender su territorio. Pero después junto la piedra con madera y un pedazo de piel a manera de correa para fabricar un arma más letal. La creatividad logro que el ser humano se adaptara mejor y así lograr imponerse entre los demás animales.
Convertirse en el animal más alto en la escala le permitió continuar con su evolución, al aumentar las capacidades mentales y lograr un alto nivel de inteligencia. Ello llevó al ser humano a buscar otros métodos para mejorar su calidad de vida, se convirtió en un ser creativo en búsqueda constante de facilitar los trabajos de la comunidad social; la interacción entre otros seres humanos y con la misma naturaleza fue la causa principal que le permitió encontrar otras maneras de expresarse.
La evolución de la inteligencia logro que la creatividad tomara varios caminos, el de la ciencia y la tecnología para aumentar la calidad de vida y poder defenderse mejor de las amenazas externas y así lograr la consolidación de la comunidad social. Los grupos de humanos se impusieron debido a que cada uno de ellos tenía un instrumento nuevo, creado por ellos mismos, que le permitía tomar ventaja sobre los demás.
Hubo algunos hombres primitivos que observaron con mayor detenimiento la naturaleza y los estímulos que de ella provenían. La observación y la creatividad le permitían mejorar todos los instrumentos construidos con anterioridad. Flechas, lanzas, puntas filosas de pedernal, vasijas y todo objeto que haya ayudado a facilitarle la vida diaria puede ser considerado arte, primitivo sí, pero creación artística al fin y al cabo.
El lenguaje jugó un papel fundamental en todo esto, se sabe que la sociedad no se hubiera formado sin la comunicación y a su vez ésta no se hubiera conformado sino es gracias al lenguaje. Es un triángulo donde los tres conceptos (lenguaje, comunicación, sociedad) se complementan y se explican entre si.
Al comunicarse entre si los seres humanos crearon lazos afectivos entre ellos, de esta manera las emociones se conformaron dentro de la comunidad y sus integrantes. De ésta manera surgen nuevas representaciones creativas, en las cuales el hombre buscaba expresar sus emociones diarias de algún modo en particular.
Roman Gubern pone sobre la mesa de discusión si fue la expresión verbal o la expresión en imágenes fue primero en la evolución del ser humano, tal vez "tal vez el hombre comenzó a soñar imágenes antes de poder hablar"1. Para nosotros ese no es el problema (qué fue primero) sino la respuesta humana para utilizar la creatividad como modo de expresión. Ya sean verbales o icónicas las diferentes expresiones humanas han seguido un patrón a través del tiempo, incluidas las artes.
Se tiene evidencia de la existencia de materiales creados por la mano del hombre para ayudarse en las tareas diarias desde hace unos dos millones de años2, mismo tiempo que tiene la humanidad de conocer las piezas artísticas. La migración del ser humano y el cambio de sedentario a nómada cambio la perspectiva del mundo al conocer nuevos ecosistemas y climas diferentes a lo hasta ese momento conocido.
El cambio de paisajes, montañas, de planicies y el cambio del clima permitió concentrar su creatividad para adaptarse a estos nuevos ambientes y así creó más utensilios tanto para el uso dentro de la comunidad y para la práctica de la caza y poder obtener mejores presas. Cuando finalmente encontró dentro del grupo social un adecuado modo de vida fue entonces cuando el hombre buscó representar con imágenes sus emociones y sentimientos.
Un lugar digno de comentar es la cueva de Lascaux; en Francia, descubiertas en 1879 y que se piensa tienen una antigüedad considerada entre los quince mil y veinte mil años. Ahí se encuentran representadas imágenes pintadas sobre los muros de la cavidad natural, se pueden observar figuras de animales, tales como una cabeza de toro, un bovino de color rojo ocre y algo que parece ser una vaca con críos a su alrededor.
Esto es lo que nos interesa en este ensayo, el proceso evolutivo que sigue el ser humano desde que tiene la capacidad de representar imágenes hasta lograr conjuntar las técnicas necesarias para recrear la realidad por medio de una imagen, pintada, esculpida, fotografiada o una serie de imágenes en movimiento.

Los ismos, antecedente y sus corrientes.

El Vanguardismo y Sus Ismos



Dentro de la corriente vanguardista los ismos surgieron contra una corriente envejecida y propusieron innovaciones radicales de contenido, lenguaje y actitud vital. Entre ellos se encuentran:

Expresionismo:
Nació en Alemania en contra del naturalismo y fue encabezado por Georg Tialk en 1920. Entre sus principios se señalan: la reconstrucción de la realidad, la relación de la expresión literaria con las artes plásticas y la música y la expresión de la angustia del mundo y de la vida a través de novelas y dramas donde se habla de las limitantes sociales impuestas a la libertad del hombre.

Cubismo:
Nació en Francia y fue encabezado por Guilaume de Apollinari. Sus principales rasgos consisten en: la asociación de elementos imposibles de concretar, desdoblamiento del autor, disposición gráfica de las palabras, sustitución de lo sentimental con el humor y la alegría y el retrato de la realidad a través de varios enfoques.

Futurismo:
Surge en Milán, Italia por parte de Filipo Tommaso Marinetti. Este movimiento rompía con la sintaxis, el ritmo y los signos convencionales de la puntuación. Consideraba como elementos principales de la poesía, el valor, la audacia y la revolución, ya que se pregonaba el movimiento agresivo, el insomnio febril, el paso gimnástico, el salto peligroso y la bofetada. Tenía como postulados: la exaltación de lo sensual, lo nacional y guerrero, la adoración de la maquínale retrato de la realidad en movimiento, lo objetivo de lo literario y la disposición especial de lo escrito, con el fin de darle una expresión plástica.

Dadaísmo:
Apareció en Zurich, Suiza entre 1916 y 1922 con Tristán Izarra como su fundador. Fue una oposición al pasado violento de la guerra mundial. El poema dadaísta suele ser una sucesión de palabras y sonidos, lo que hace difícil encontrarle lógica. Se distingue por: la inclinación hacia lo dudoso, terrorismo, muerte y nihilismo, lo fantasioso, busca renovar la expresión mediante el empleo de materiales inusuales o manejando planos de pensamientos antes no mezclables y tiene una tónica general de rebeldía o destrucción.

Ultraísmo:
Apareció en España entre 1919 y 1922 en reacción al modernismo. Fue uno de los movimientos que más se proyecto en Hispanoamérica contribuyendo al uso del verso libre, la prescripción de la anécdota y el desarrollo de la metáfora, que se convierte en el principal centro expresivo. Influenciado por poetas como Vicente Huidobro y Guillaume Apollinari.

Creacionismo:
Surgió en 1917 y fue patrocinado por el poeta chileno Vicente Huidobro, quien concibe al poeta como un pequeño Dios para crear con la palabra. Según él, el poeta no deber de ser un hombre.

Surrealismo:
Surgió en Francia con André Bretón, quien siguiendo a Freud se interesó por descubrir los mecanismos del inconsciente y sobrepasar lo real por medio de lo imaginario y lo irracional. Se caracteriza por: pretender crear un hombre nuevo, recurrir a la crueldad y el humor negro con el fin de destruir todo matiz sentimentaloide y a pesar de ser constructivo, los aspectos de la conducta moral humana y las manifestaciones no son de su interés.

Estridentismo:
Surgió en México y nace de la mezcla de varios ismos, como aportación nacidos a la vanguardia europea. Se dio entre 1922 y 1927 y se caracterizó por la modernidad el cosmopolismo y lo urbano, así como por el inconformismo, el humor negro, el esnobismo, lo irreverente y el rechazo a todo el pasado. Su representante fue Manuel Maples Arce.

Impresionismo:
Reacciona contra los excesos del realismo, concentrando su interés en el proceso mental desarrollado en el interior de un personaje cuando se enfrenta a alguna situación. Se caracteriza por: trasladar a la obra la verdadera existencia radicada en los procesos mentales, la intuición y la desvinculación de un personaje, así como el manejo de personajes cuya es denominada por las asociaciones psicológicas.

Cosmopolitismo:
Surge en 1940 con la finalidad de mostrar la problemática urbana, varía ya que el paisaje cambia según la geografía y economía de cada ciudad. Es filosófico, moral y psicológico pues trabaja con la incertidumbre y tensión de los habitantes de las grandes metrópolis. Su máximo representante fue Borges.

Neorrealismo:
Se relaciona con el existencialismo, exagera el problema de la angustia, ya que transforma el escritor de males irreversibles pareciendo no tener solución.

Suprerealismo:
Movimiento que se apoyó en los trabajos de Freud. Consiste en la captación de la coincidencia-realidad surgida en un personaje, cuando vive un hecho que le provoca recuerdos recónditos. Su representante es Miguel Ángel Asturias.

Existencialismo:
Corriente filosófica según la cual lo principal de la realidad es la existencia humana.

Experimentalismo:
Se apoyó en el método científico para explicar el comportamiento de los personajes dentro de un relato.

Abstracción del siglo XX de cara al siglo XXI

El barroco como influencia en Latinoamérica

Arte Colonial
El arte colonial es el que se desarrolla en América durante el periodo de ocupación española, es decir, desde que Cristóbal Colón descubre el continente hasta que alcanza su independencia.

América era un territorio plural, de gran diversidad geográfica, donde existía una población local con múltiples culturas y religiones. El objetivo, más allá de asentarse en el territorio, será el de reducir la pluralidad peninsular y dar unidad al territorio americano. Comienza así la labor evangelizadora de conversión al cristianismo y de instalar el castellano como única lengua.
La influencia española dominará y se impondrá a la autóctona. Desde España llegarán al Nuevo Mundo numerosos artistas que formarán talleres y enseñarán a los nativos los modelos y estilos de la península, como son el gótico, renacimiento, manierismo, barroco y neoclasicismo. Hay que señalar la importancia de la pintura en el proceso de evangelización, ya que sus temas religiosos y didácticos tratan diferentes episodios de la vida de Jesús, de la Virgen y de los santos más populares.
Una vez que se ha descubierto el continente, tiene lugar su ocupación. La primera etapa de la conquista se produce en El Caribe.
Será en Santo Domingo donde mejor se transfiere la cultura española debido a la inexistencia de una cultura aborigen fuerte. Canteros y albañiles sevillanos fueron en la primera década del siglo XVI a atender las obras públicas de mayor importancia

Arte del oriente

Arte y arquitectura del Oriente Antiguo
El arte antiguo del cercano Oriente ocupa una posición peculiar, en cuanto a que dio el ser a muchas de las categorías artísticas que damos por supuestas. Cuando, en Egipto o en Mesopotamia, los hombres construían templos monumentales o erigían estatuas, estaban descubriendo formas de expresión que no tenían precedentes. Henri Frankfort, una de las más destacadas autoridades en la materia, es el autor de este muy documentado estudio sobre el desarrollo del arte en Mesopotamia, desde la época sumeria hasta los períodos asirios tardío y neobabilónica de las regiones periféricas, Asia Menor, Siria, Palestina y Persia

Arte del arte renacimiento

El Renacimiento expresa un movimiento y una época donde se retorna al estudio e imitación de la literatura, arte y filosofía de la antigüedad clásica griega y romana En pintura la renovación hacia lo clásico se realiza por medio del estudio del natural y de la aplicación de las leyes de la perspectiva, únicamente este arte recibe la influencia greco-romana a través de la arquitectura y la escultura.
Los cimientos de la renovación son varios, el eje más atrayente es el Humanismo orientado hacia el papel central del hombre y sus actos. La anatomía del hombre fue objeto de un minucioso estudio por parte de científicos, que dibujaban ordenadamente sus descubrimientos, involucrándose con frecuencia el rol del científico con el del pintor. Un pintor convenía de tener profundos conocimientos de teología, historia y mitología para estar autorizado en la representación de la historia que debería de narrar, el tornar a concentrarse en lo humano no es una dejadez de lo divino, por el contrario, lo divino es percibido desde la perspectiva humana para conferirlo de mayor significación: Dios trata de concebirse evidente a la razón humana, en vez de limitarlo a la impresión de la fe. Para una conveniente representación de la historia y de los personajes el pintor debería de laborar terceras ramas del saber: para los seres humanos, sé artículo anatomía y fisiología, también hubieron de estudiar mitología, lenguas clásicas y teología para representar dignamente, las escenas, los vestidos y los ambientes. La conquista de la tercera dimensión es fortalecida al colocar las figuras sobre un paisaje o en un interior, así tanto el propio volumen de la figura establece la profundidad, como también el hecho de moverse en un espacio aéreo a su alrededor.La mayor parte de la producción artística siguió consagrada al tópico religioso, con tres propósitos fundamentales: acrecentar la garantía de la predicación, lograr la emoción del fiel y conservar el dogma por medio de las imágenes. No obstante se introduce con ímpetu la pintura profana; por un lado germina el retrato representando a los mecenas de los pintores o a efigies representativas del saber, tanto moderno como antiguo; por otro la invasión del neoplatonismo florentino con representaciones paganas que se reajustan al cristianismo. La razón se recupera apoyándose en la reintroducción de la sabiduría clásica: los textos de la antigüedad que se atesoraban se traducen. Se inicia con vigor la pompa del retrato, se introducen mitologías, usualmente con trasfondo religioso e incluso misteriosos, es el caso de la obra de Botticelli, EL TRIUNFO DE LA PRIMAVERA.
Es esta etapa cuando los artistas principian en firmar sus obras, sus antecedentes biográficos son recogidos por los entendidos en arte, y sus teorías pictóricas están impregnadas de gran elaboración intelectual. El renacimiento se organiza en dos hemisferios, el Quattrocento o siglo XV y el Cinquecento o siglo XVI
En el Renacimiento, sus integrantes se autodenominan como hombres del Renacimiento, e inauguradores de una nueva Edad, la Edad Moderna, por oposición a la Edad Media , lazo de transición entre la grandiosidad de la Antigüedad clásica y su propia época.

Grandes influencias artísticas

Arte en Mesoamérica.
Arte precolombino de Mesoamérica
Las grandes civilizaciones de Norte América antes de la llegada de Cristóbal Colón surgen en Mesoamérica, y muy en particular en el sur de México. Su cronología abarca aproximadamente desde 2500 a. C. a 1500 d.C., en que la civilización indígena fue destruida por la invasión europea.
Es indiscutible que la civilización mesoamericana evolucionó al margen de Europa, y también, probablemente, del mundo oriental. Este aislamiento arranca de las postrimerías del Paleolítico superior, en el momento en que los futuros indios americanos, oriundos de Asia, atravesaron el paso entre Siberia y Alaska. Al desaparecer el puente de Beringia, los americanos quedaron aislados y fuera del alcance de influencias externas.
En este lapso de 3.000 años, surgen y desaparecen diversas civilizaciones muy complejas, algunas de ellas creadoras de una arquitectura monumental y avanzada, y también de notables muestras de cerámica, talla de piedra y madera, y pintura.
Las culturas de Mesoamérica se dividen en tres períodos cuya cronología aproximada es la que sigue: Período Preclásico, desde 2500 a. C. hasta el año 200 d.C.; Periodo Clásico, del 200 d. C. al 800 d.C.; y Período Posclásico, del 800 hasta la conquista española 1521 aprox.
El preclásico produjo principalmente cerámica no ornamentada, pero también las creaciones de la cultura olmeca, muy evolucionada, que floreció poco más o menos entre 1200 a. C. y 600 a.C.. Muy famosas son sus figurillas de jade y sus ciclópeas cabezas de piedra, sobrecogedoras por su enigmático simbolismo, que miden a veces más de 2,00 metros de altura. Están ejecutadas con un acusado sentido naturalista: los labios abultados y la expresión ceñuda les confieren una tensión inquietante. Parece que los olmecas iniciaron la tradición mesoamericana de construir colosales centros ceremoniales de piedra y de llevar una notación cronológica.
Durante el período clásico se consolidan las comunidades agrarias de carácter teocrático asentadas en metrópolis sagradas, distintas según la zona, pero con una serie de rasgos comunes: escritura jeroglífica, amplio conocimiento de la astronomía y macizos templos de base piramidal, así como un enigmático juego de pelota de significado ritual y una iconografía equiparable de divinidades, algunas de ellas despiadadas y crueles.
Una de las culturas más detacadas es la de Teotihuacan, ciudad sagrada de unos 85.000 habitantes, en la altiplanice mexicana.
Más conocida es la difundida civilización maya, cuyas realizaciones artísticas se hayan muy relacionadas con la lluvia y la fecundidad del suelo. En el aspecto formal, predomina la ornamentación labrada en bajorrelieve; son pocas las figuras esculpidas en bulto redondo. Aun así, los mayas demuestran, tanto en la talla de la madera como de la piedra, un notable dominio del diseño libre, cursivo, a menudo de intrincada densidad. Los jeroglíficos (muchos de ellos ya descifrados) proliferan a través de la superficie, ocupando el espacio en torno a figuras muy estilizadas pero expresivas. Este tipo de labra se da sobre todo en los templos, jambas y dinteles de puerta, y también en las estelas conmemorativas que a veces alcanzan hasta 10,00 metros de altura. Una de las manifestaciones más interesantes y prolíficas del arte maya es la cerámica, bien en forma de vasos, a menudo pintados, o de figurillas. Se conservan algunos códices mayas y raras muestras supérstites de pinturas murales del período clásico tardío que acreditan un estilo y una iconografía muy avanzados; las figuras, de perfil, están delimitadas por un grueso trazo negro y el cuerpo aparece coloreado con tintas.
El período posclásico coincide con el surgimiento de las teocracias militares: mixtecos, toltecas y aztecas, estos últimos los más conocidos. Todos parecen tributarios, cada vez en mayor medida, de dioses que se nutren de los sacrificios humanos. En consecuencia, su arte escultórico es brutal y a menudo de lúcida e inquietante expresividad. Los toltecas esculpieron en piedra estatuas exentas de gran tamaño, como los atlantes de Tula, cuya expresión cruel, abstracción y gigantismo han causado hondo impacto en los escultores modernos. Los mixtecos ejecutaron pinturas al fresco y, muy en especial, ilustraron códices con figuras de coloración plana envueltas en un tupido entramado de motivos geométricos. También trabajaban con gran maestría las piedras finas, las plumas, la cerámica y el oro. El arte azteca se manifiesta en particular en sus monolíticas esculturas, de una expresividad terrorífica, tallas muchas veces con extraordinario primor en las piedras más duras. Una de las piezas más conocidas es la de una diosa parturienta cuyo semblante trasluce una angustia sin concesiones.
La cultura de Mesoamérica fue la primera en sucumbir ante los españoles, tras la conquista del imperio azteca por Hernán Cortés, con lo cual dejó de influir la savia que nutría la cultura indígena meosamericana.

Paleolítico.

El Paleolítico es la etapa más larga en la historia del ser humano. Durante este periodo, nuestros ancestros vivían de la caza y de la recolección de vegetales, se asociaban en tribus y sus herramientas eran de piedra tallada, madera y hueso.
El arte paleolítico del área franco-española
El arte rupestre parietal es propio de la zona franco-española: en Francia hay más de 130 cuevas, entre ellas destacan las de la zona de Aquitania (p. ej. Lascaux, Pech-Merle, Les Combarelles, Laugerie, La Madeleine...) y las de los Pirineos (p. ej. Niaux, Les Trois Frères, Le Tuc d'Audubert, Mas d'Azil, Bédeilhac...), y en España hay unas 60 cuevas, casi todas en el Cantábrico, destacando la gruta de Ekain, las cuevas del Monte Castillo, Tito Bustillo, o la Cueva de Altamira, aunque también aparecen esporádicamente en la Meseta (Siega Verde en Salamanca, Domingo García en Segovia, Maltravieso en Cáceres, Los Casares en Guadalajara...) y, sobre todo, en las costas Mediterráneas (La Pileta y Nerja en Málaga...); incluyendo el gran conjunto de arte rupestre se encuentra en el sur de la Península Ibérica: El Arte Sureño; con más de 180 cuevas y abrigos decorados en todas las épocas prehistóricas; nos interesan las figuras más antiguas, que datan de Paleolítico Superior (Solutrense). Hay raros ejemplos fuera de Francia y España, como la Grotta dell'Adaura en Italia o Kapova en Rusia, entre otros. El arte mobiliar, en cambio, es abundante en toda Europa.


Distribución de yacimientos con Arte Paleolítico en Europa
.
Arte mueble [editar]
También llamado arte mobiliar, esto es, se trata de objetos artísticos que se pueden transportar, mover... Y que aparecen en su contexto arqueológico (es decir, en excavaciones). El arte mueble es una manifestación artesana de ajuares domésticos o personales, quizá ritual, quizá suntuaria. Por ejemplo, colgantes de piedra, hueso o concha... A menudo, objetos de utilidad práctica o votiva decorados, como puntas de arpón, puntas de lanza hechas en hueso (es decir azagayas), los llamados bastones perforados, etc. Estos utensilios suelen tener dibujos, figurativos o abstractos, grabados (tal vez, en otro tiempo, también pintados). Pero igualmente hay objetos meramente ceremoniales, mucho más que simples adornos. Por ejemplo, las pequeñas estatuillas femeninas llamadas Venus paleolíticas, plaquetas grabadas (como las de Parpalló), o estatuillas de animales como el famoso bisonte de hueso de La Madeleine, cuya función es, sin duda religiosa.


Arte mueble: Ciervo grabado en un bastón perforado (Cueva de El Castillo, Cantabria)
.

Arte parietal:
Animales pintados en la cueva de La Pileta
(Benaoján, Málaga)
.
Arte parietal [editar]
Denominamos así al arte que aparece en las paredes (arte mural) de las grutas, covachas y abrigos rocosos. Como se ha comentado, la mayor concentración de arte parietal se da en Europa Occidental. Casi todas las representaciones artísticas están en las zonas más profundas de las cuevas (aunque las áreas de habitación siempre estuvieron en las bocas de las cuevas). Eso no quiere decir que no haya excepciones, es decir, santuarios exteriores, como ocurre con la cueva de Laussel, Roc de Sers (Francia) o La Viña (Oviedo). El arte parietal lo componen pinturas, relieves o grabados cuyo tema principal son los animales o los signos llamados ideomorfos, pero también la figura humana.
Técnicas de elaboración [editar]
No hay arquitectura, sólo han llegado hasta nosotros esculturas y dibujos en piedra o hueso. Los dibujos eran de dos tipos, grabados o pintados, y las esculturas podían ser estatuillas o relieves:
• La pintura: Se usaban uno o dos colores que se obtenían con pigmentos minerales (manganeso para el negro, ocre para el rojo o el amarillo...) u orgánicos (carbón, para el negro), con un aglutinante orgánico (resina o grasa); se podían simular realces más claros raspando la roca. Los colores se untaban directamente con los dedos, también se podía escupir la pintura sobre la roca (como un aerosol bucal); en ocasiones, se usaron lápices (ramas quemadas con las que se tiznaba la pared y bolas de colorante mineral aglutinadas con resina) o pinceles rudimentarios (escobillas y estropajos de fibras vegetales o animales). A veces se aprovechaban bultos y hendiduras de la pared para dar la sensación de volumen.
• El grabado: Es un dibujo a base de finas incisiones o cortes, sobre el hueso o la roca, hechas con utensilios afilados de sílex llamados buriles. El grabado aparece desde los primeros tiempos del arte, como un equivalente del dibujo, pero se desarrolla sobre todo durante el final del Auriñaciense y durante el Gravetiense (de este periodo se destacan las plaquetas grabadas en El Parpalló, Valencia), para casi desaparecer durante el Solutrense. El grabado vuelve a ganar importancia en el Magdaleniense con la mayor variedad de estilos, temas, combinaciones y soportes que jamás se había visto.
• El relieve: Es un grabado cuyas incisiones son tan profundas que la figura se convierte en una escultura que sobresale de la roca o del hueso del soporte (como los bisontes esculpidos en la Fourneau du Diable; o el famoso pez de Gorge d'Enfer, ambas en Dordoña, Francia). El relieve sólo aparece al final del Paleolítico Europeo, es decir, el en Magdaleniense, y, casi siempre, asociados a santuarios exteriores: aquellas cuevas poco profundas iluminadas por luz natural.
• Las estatuillas: son pequeñas esculturas exentas de piedra o de hueso, talladas por todos los lados. Casi siempre son figuritas femeninas llamadas Venus paleolíticas (Venus de Brassempouy, en Francia). Las estatuillas son el tipo de arte paleolítico más extendido de Europa, con importantes escuelas, no sólo en el área francesa, sino también en Europa Central y del Este (como se verá más adelante). Las estatuillas femeninas y de animales son muy antiguas, pero en Francia y en España, al parecer, la estatuaria animal es propia de la última fase del Paleolítico Superior. A menudo, las estatuillas aparecen adornando instrumentos de uso práctico, como bastones perforados y propulsores.

Pintura: Bisonte de la Cueva de Altamira, (Cantabria)

Grabado: Cabeza de caballo
Cueva del Moro (Tarifa)

Relieve: Pez de la cueva
Gorge d'Enfer (Francia)

Estatuillas: Venus de Brassempouy (Francia)

Temática [editar]
• Los temas preferidos eran animales (sobre todo toros, bisontes y caballos; aunque menos numerosos, también hay ciervos, osos, cabras...). No obstante, debe olvidarse la imagen trillada que se tiene del arte paleolítico, de temática monótona y casi exclusivamente animalística. Evidentemente predominan los temas faunísticos, pero hay otras muchas escenas sorprendentemente elaboradas y excepcionalmente intrigantes (la mayoría de las cuales no podemos mostrar dada la naturaleza de las licencias de reproducción y el carácter sintético de este artículo).


Caballos grabados de la cueva cántabra de El Pendo.


Panel de los bisontes en la Cueva de Altamira (Cantabria)
.
• Asimismo son muy numerosos los signos enigmáticos, algunos de ellos fácilmente identificables (como las manos impresas o los órganos sexuales masculinos y femeninos), y otros más abstractos llamados ideomorfos.

Maltravieso: el mayor conjunto de manos impresas del Paleolítico hispano
Órgano masculino: bastón fálico de asta de la cueva de
Cuetu de la Mina (Asturias)

Órgano femenino: símbolo con forma de vulva, Musée de Saint-Germain-en-Laye, París

Ideomorfos de la Cueva de La Pasiega (Cantabria)

• La figura masculina: A veces aparecen hombres de rasgos grotescos y órganos sexuales muy detallados que, en cambio, tienen la cara desdibujada. En algunas ocasiones, se les añaden rasgos de animales (cuernos, crines, colas, pieles), antepasados mágicos de naturaleza híbrida (el tótem de la tribu), o magos disfrazados y enmascarados para las ceremonias (el chamán o hechicero).
• La figura femenina: Es mucho más abundante, son las llamadas venus paleolíticas: mujeres desnudas, con atributos sexuales muy marcados. De nuevo, la cara suelen estar desdibujada; distinguimos dos tipos, el modelo antiguo es el de una mujer obesa, es decir, esteatopigia, cuya silueta puede inscribirse en un rombo, por lo que suelen llamarse Venus losángicas y son propias del Auriñaciense y del Gravetiense. El segundo tipo es el de mujeres estilizadas que aparecen en la última fase del Paleolítico europeo, el Magdaleniense. De cualquier modo, quizá fueran representaciones de la madre naturaleza, diosas de la fecundidad o, cosa más difícil de comprobar, ideales de belleza de aquella época.

La figura femenina:
Venus de Laussel (Burdeos, Francia)

La figura femenina: Venus de Lespugue. Alto Garona (Francia)

La figura masculina: Hechicero zoomorfo de
Le Gabillou (Francia)

La figura masculina: Hechicero zoomorfo de
La Pasiega (España)

El estilo [editar]
Las figuras suelen ser realistas, con uno o dos colores y modelado de volúmenes; pero no forman escenas, están yuxtapuestas (colocadas unas junto a otras, o unas sobre otras) y, salvo excepciones, no hay sensación de movimiento, ni paisaje. Estamos pues ante un arte Descriptivo, no narrativo. Sin embargo, se conservan algunos ejemplos excepcionales de escenas concretas de tipo narrativo, por ejemplo en Lascaux, en Les Trois Frères (ambas en Francia) o en la Cueva de los Casares (Guadalajara, España6 ). En ninguno de los casos parecen representaciones de escenas concretas o anecdóticas, sino, más bien, rituales genéricos (Mitogramas) protagonizados por hechiceros o espíritus totémicos.

Hechicero (hombre-pájaro), embestido por un bisonte herido (Lascaux, Francia)

Humano perseguido por un bisonte, Roc de Sers (Charente, Francia)

Escena de zambullida ritual en la cueva de Los Casares (Guadalajara, España)
Humano atacado por un oso del que sólo se ve la zarpa (Saint-Germain, Francia)

Unidad 2 una retrospectiva del arte Una mirada al arte antiguo

Paleolítico.
El Paleolítico es la etapa más larga en la historia del ser humano. Durante este periodo, nuestros ancestros vivían de la caza y de la recolección de vegetales, se asociaban en tribus y sus herramientas eran de piedra tallada, madera y hueso.
El arte paleolítico del área franco-española
El arte rupestre parietal es propio de la zona franco-española: en Francia hay más de 130 cuevas, entre ellas destacan las de la zona de Aquitania (p. ej. Lascaux, Pech-Merle, Les Combarelles, Laugerie, La Madeleine...) y las de los Pirineos (p. ej. Niaux, Les Trois Frères, Le Tuc d'Audubert, Mas d'Azil, Bédeilhac...), y en España hay unas 60 cuevas, casi todas en el Cantábrico, destacando la gruta de Ekain, las cuevas del Monte Castillo, Tito Bustillo, o la Cueva de Altamira, aunque también aparecen esporádicamente en la Meseta (Siega Verde en Salamanca, Domingo García en Segovia, Maltravieso en Cáceres, Los Casares en Guadalajara...) y, sobre todo, en las costas Mediterráneas (La Pileta y Nerja en Málaga...); incluyendo el gran conjunto de arte rupestre se encuentra en el sur de la Península Ibérica: El Arte Sureño; con más de 180 cuevas y abrigos decorados en todas las épocas prehistóricas; nos interesan las figuras más antiguas, que datan de Paleolítico Superior (Solutrense). Hay raros ejemplos fuera de Francia y España, como la Grotta dell'Adaura en Italia o Kapova en Rusia, entre otros. El arte mobiliar, en cambio, es abundante en toda Europa.


Distribución de yacimientos con Arte Paleolítico en Europa
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Arte mueble [editar]
También llamado arte mobiliar, esto es, se trata de objetos artísticos que se pueden transportar, mover... Y que aparecen en su contexto arqueológico (es decir, en excavaciones). El arte mueble es una manifestación artesana de ajuares domésticos o personales, quizá ritual, quizá suntuaria. Por ejemplo, colgantes de piedra, hueso o concha... A menudo, objetos de utilidad práctica o votiva decorados, como puntas de arpón, puntas de lanza hechas en hueso (es decir azagayas), los llamados bastones perforados, etc. Estos utensilios suelen tener dibujos, figurativos o abstractos, grabados (tal vez, en otro tiempo, también pintados). Pero igualmente hay objetos meramente ceremoniales, mucho más que simples adornos. Por ejemplo, las pequeñas estatuillas femeninas llamadas Venus paleolíticas, plaquetas grabadas (como las de Parpalló), o estatuillas de animales como el famoso bisonte de hueso de La Madeleine, cuya función es, sin duda religiosa.


Arte mueble: Ciervo grabado en un bastón perforado (Cueva de El Castillo, Cantabria)
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Arte parietal:
Animales pintados en la cueva de La Pileta
(Benaoján, Málaga)
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Arte parietal [editar]
Denominamos así al arte que aparece en las paredes (arte mural) de las grutas, covachas y abrigos rocosos. Como se ha comentado, la mayor concentración de arte parietal se da en Europa Occidental. Casi todas las representaciones artísticas están en las zonas más profundas de las cuevas (aunque las áreas de habitación siempre estuvieron en las bocas de las cuevas). Eso no quiere decir que no haya excepciones, es decir, santuarios exteriores, como ocurre con la cueva de Laussel, Roc de Sers (Francia) o La Viña (Oviedo). El arte parietal lo componen pinturas, relieves o grabados cuyo tema principal son los animales o los signos llamados ideomorfos, pero también la figura humana.
Técnicas de elaboración [editar]
No hay arquitectura, sólo han llegado hasta nosotros esculturas y dibujos en piedra o hueso. Los dibujos eran de dos tipos, grabados o pintados, y las esculturas podían ser estatuillas o relieves:
• La pintura: Se usaban uno o dos colores que se obtenían con pigmentos minerales (manganeso para el negro, ocre para el rojo o el amarillo...) u orgánicos (carbón, para el negro), con un aglutinante orgánico (resina o grasa); se podían simular realces más claros raspando la roca. Los colores se untaban directamente con los dedos, también se podía escupir la pintura sobre la roca (como un aerosol bucal); en ocasiones, se usaron lápices (ramas quemadas con las que se tiznaba la pared y bolas de colorante mineral aglutinadas con resina) o pinceles rudimentarios (escobillas y estropajos de fibras vegetales o animales). A veces se aprovechaban bultos y hendiduras de la pared para dar la sensación de volumen.
• El grabado: Es un dibujo a base de finas incisiones o cortes, sobre el hueso o la roca, hechas con utensilios afilados de sílex llamados buriles. El grabado aparece desde los primeros tiempos del arte, como un equivalente del dibujo, pero se desarrolla sobre todo durante el final del Auriñaciense y durante el Gravetiense (de este periodo se destacan las plaquetas grabadas en El Parpalló, Valencia), para casi desaparecer durante el Solutrense. El grabado vuelve a ganar importancia en el Magdaleniense con la mayor variedad de estilos, temas, combinaciones y soportes que jamás se había visto.
• El relieve: Es un grabado cuyas incisiones son tan profundas que la figura se convierte en una escultura que sobresale de la roca o del hueso del soporte (como los bisontes esculpidos en la Fourneau du Diable; o el famoso pez de Gorge d'Enfer, ambas en Dordoña, Francia). El relieve sólo aparece al final del Paleolítico Europeo, es decir, el en Magdaleniense, y, casi siempre, asociados a santuarios exteriores: aquellas cuevas poco profundas iluminadas por luz natural.
• Las estatuillas: son pequeñas esculturas exentas de piedra o de hueso, talladas por todos los lados. Casi siempre son figuritas femeninas llamadas Venus paleolíticas (Venus de Brassempouy, en Francia). Las estatuillas son el tipo de arte paleolítico más extendido de Europa, con importantes escuelas, no sólo en el área francesa, sino también en Europa Central y del Este (como se verá más adelante). Las estatuillas femeninas y de animales son muy antiguas, pero en Francia y en España, al parecer, la estatuaria animal es propia de la última fase del Paleolítico Superior. A menudo, las estatuillas aparecen adornando instrumentos de uso práctico, como bastones perforados y propulsores.

Pintura: Bisonte de la Cueva de Altamira, (Cantabria)

Grabado: Cabeza de caballo
Cueva del Moro (Tarifa)

Relieve: Pez de la cueva
Gorge d'Enfer (Francia)

Estatuillas: Venus de Brassempouy (Francia)

Temática [editar]
• Los temas preferidos eran animales (sobre todo toros, bisontes y caballos; aunque menos numerosos, también hay ciervos, osos, cabras...). No obstante, debe olvidarse la imagen trillada que se tiene del arte paleolítico, de temática monótona y casi exclusivamente animalística. Evidentemente predominan los temas faunísticos, pero hay otras muchas escenas sorprendentemente elaboradas y excepcionalmente intrigantes (la mayoría de las cuales no podemos mostrar dada la naturaleza de las licencias de reproducción y el carácter sintético de este artículo).


Caballos grabados de la cueva cántabra de El Pendo.


Panel de los bisontes en la Cueva de Altamira (Cantabria)
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• Asimismo son muy numerosos los signos enigmáticos, algunos de ellos fácilmente identificables (como las manos impresas o los órganos sexuales masculinos y femeninos), y otros más abstractos llamados ideomorfos.

Maltravieso: el mayor conjunto de manos impresas del Paleolítico hispano
Órgano masculino: bastón fálico de asta de la cueva de
Cuetu de la Mina (Asturias)

Órgano femenino: símbolo con forma de vulva, Musée de Saint-Germain-en-Laye, París

Ideomorfos de la Cueva de La Pasiega (Cantabria)

• La figura masculina: A veces aparecen hombres de rasgos grotescos y órganos sexuales muy detallados que, en cambio, tienen la cara desdibujada. En algunas ocasiones, se les añaden rasgos de animales (cuernos, crines, colas, pieles), antepasados mágicos de naturaleza híbrida (el tótem de la tribu), o magos disfrazados y enmascarados para las ceremonias (el chamán o hechicero).
• La figura femenina: Es mucho más abundante, son las llamadas venus paleolíticas: mujeres desnudas, con atributos sexuales muy marcados. De nuevo, la cara suelen estar desdibujada; distinguimos dos tipos, el modelo antiguo es el de una mujer obesa, es decir, esteatopigia, cuya silueta puede inscribirse en un rombo, por lo que suelen llamarse Venus losángicas y son propias del Auriñaciense y del Gravetiense. El segundo tipo es el de mujeres estilizadas que aparecen en la última fase del Paleolítico europeo, el Magdaleniense. De cualquier modo, quizá fueran representaciones de la madre naturaleza, diosas de la fecundidad o, cosa más difícil de comprobar, ideales de belleza de aquella época.

La figura femenina:
Venus de Laussel (Burdeos, Francia)

La figura femenina: Venus de Lespugue. Alto Garona (Francia)

La figura masculina: Hechicero zoomorfo de
Le Gabillou (Francia)

La figura masculina: Hechicero zoomorfo de
La Pasiega (España)

El estilo [editar]
Las figuras suelen ser realistas, con uno o dos colores y modelado de volúmenes; pero no forman escenas, están yuxtapuestas (colocadas unas junto a otras, o unas sobre otras) y, salvo excepciones, no hay sensación de movimiento, ni paisaje. Estamos pues ante un arte Descriptivo, no narrativo. Sin embargo, se conservan algunos ejemplos excepcionales de escenas concretas de tipo narrativo, por ejemplo en Lascaux, en Les Trois Frères (ambas en Francia) o en la Cueva de los Casares (Guadalajara, España6 ). En ninguno de los casos parecen representaciones de escenas concretas o anecdóticas, sino, más bien, rituales genéricos (Mitogramas) protagonizados por hechiceros o espíritus totémicos.

Hechicero (hombre-pájaro), embestido por un bisonte herido (Lascaux, Francia)

Humano perseguido por un bisonte, Roc de Sers (Charente, Francia)

Escena de zambullida ritual en la cueva de Los Casares (Guadalajara, España)
Humano atacado por un oso del que sólo se ve la zarpa (Saint-Germain, Francia)

Artista y su manifiesto

En este ámbito influyen tres factores esenciales tales como son: artista, obra de arte, y contemplador.
Artista: el creador, de la obra ya sea por diversos factores como: la inspiración (los sentimientos)
El contemplador: es el admirador de la obra de arte.

Sociedad
La sociedad influye en diversos aspectos en este que es el arte pues es una producción del mismo, que sean los factores que lo rodean tales como la religión, la economía, la política, etc.,

La obra y su exposición
En este apartado influyen tres factores esenciales para la vida tales como:
Artista artesano y profesional.
En la siguiente tabla se mencionaran las actividades de estas tres personas que son creadoras de artes pero que se clasifican de distintas maneras.

Arte y sociedad

Instituciones: son un factor el cual influye en las personas las cuales son las que fortalecen las enseñanzas que se adquirieron a lo largo de la vida, las instituciones de arte se podría mencionar: centro universitario de teatro, la academia de san Carlos, la unida de bosque, entre otras.

Arte y sociedad

Instituciones: son un factor el cual influye en las personas las cuales son las que fortalecen las enseñanzas que se adquirieron a lo largo de la vida, las instituciones de arte se podría mencionar: centro universitario de teatro, la academia de san Carlos, la unida de bosque, entre otras.

Concepto de estética

Es una rama de la filosofía que tiene por objetivo el estudio de loa esencia y la percepción de la belleza y se le define como “ciencia que trata de la belleza de la teoría fundamenta y filosófica del arte” sensación, percepción y la senilidad. La cual estudia las razones y las emociones estéticas.

Clacificación del arte

La clasificación de las artes se dividen en: visuales, auditivas y mistas:
Las artes visuales son aquellas que se aprecian con la vista, tales como la pintura, escultura y la arquitectura.
Las auditivas, son aquellas las cuales se aprecian con el oído, tales como: la música, la literatura y el canto.
Las mixtas, son aquellas las cuales se utilizan los sentidos del oído y de la vista para poder ser apreciadas como: el cine, el teatro y la danza.
Claro sin olvidar las artes mayores como son: la pintura, la música, escultura, teatro, danza, arquitectura, y las nuevas arte, tales como el cine, la fotografía, el diseño, el grafico, video, danza contemporánea.
Y las artes menores: como las artesanías.

Definición e importancia del arte

El arte es una expresión de emociones humanas, que se comunica a los demás para demostrar las mismas y demostrar los sueños que se asen realidad, con diversas maneras de expresarlas así como transformar, las matarías y lo visible, para expresar lo inmaterial e invisible, usando la inteligencia y la creatividad para crear diversas y distantes maneras de representaciones de los sueños y las transforman en algo bello y creativo, y penetrar el alma de las personas de mostrando su ser, para dar a conocer a su entorno, utilizando diversos valores como: selección, estimulación y actuación, tal como el ser humano en su sociedad, su cultura, religión, etc.. lo aplica en su vida cotidiana; en si el arte es una necesidad social la cuales indispensable para comunicarse y expresarse con los demás, ya que es una tradición culturar que se a llevado acavo des de los principios de la humanidad

Origen del arte

En todo ser humano existe una bella y hermoso don de la vida que es la apreciación del arte, ya que es vital en el proceso del aprendizaje de cualquier persona para un mayor aprendizaje y sobre todo el proceso compresión sin olvidar el proceso de una creatividad, alcanzando así una sensibilidad e incluso saber expresar las emociones sin olvidar claro las potencialidades físicas e intelectuales del hombre, con una oportunidad de contribuir con su entorno social.

Unidad 1 introducción al arte

Origen del arte
Definición e importancia del arte
Clasificación del arte
Concepto de estética

Arte y sociedad
Instituciones
Artista, su manifiesto y producto artístico
Sociedad

La obra y su expresión
Artista
Artesano
Profesional

Introducción sobre el arte

El arte es un don de la vida que nos da, pero sobre todo es un magnifico regalo, que tenemos algunos de los seres humanos, con el solo echo de apreciar al arte, a un mas para crearlo que es una de las magnificas oportunidades que se nos brindan, en diferentes ámbitos, las cuales se presentan en la vida misma.
El arte es una de las mas antiguas y maravillosas herencias que nos han dejado los antepasados con el solo echo de ser creadas por una necesidad que se le presento, la cual con el paso del tiempo se ha ido mejorando y expresando en diferentes técnicas ya con una mejor y magnificas obras de arte. No dejemos morir este don que tenemos los seres humanos a si que manos a la obra.